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该话题已被移动 - 东汉 , 2003-08-04 11:06
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文艺复兴时代的艺术特点——喜欢古典绘画的同志进来看看   [精华]
dynamic


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主要根据沃尔夫林的古典艺术一书总结而来!

一、概论
文艺复兴(renaissance)一词的原意是“再生”的意思,主要历史跨度为15-18世纪。它最早产生于14-15世纪的意大利。可分为早期文艺复兴时期(15世纪),盛期文艺复兴(15-16世纪初)和晚期文艺复兴时期(16世纪中叶到末期),以及后来的巴罗克时期。
文艺复兴是欧洲的一段极为重要的时期,是一次重大的新文化运动。文艺复兴的一个非常重要的成就就是对人性的发现,也就是人文主义或者人本主义的提出,这一点非常重要,它直接孕育了后来西方资本主义启蒙运动的民主、自由和平等的思想,并根本改变了中世纪以神为中心的思想观念,而重新回到对人的尊重的观念上。

二、文艺复兴时代的艺术特点
1.新的理想
A.文艺复兴艺术从人的伟大和尊严的全新观念出发;动作变得潇洒而情绪感受更深切、更热烈。人的素质明显得到明显提高,对意蕴深远和庄严尊贵的感受力开始明确化,令哥特艺术在人物姿态方面显得胆怯和束手无策。在这样的情况下,一切艺术表达都转化成新的语言:嘹亮的顿音便转化成圆润的和声。
比如说在以往的表现基督受洗的画中,基督的形象变得更有人性特征,经常带有一种哀婉然而又非常尊贵神圣的感觉,表情平静,感情细腻。而不像哥特艺术中故意拉开基督与人之间的距离,基督完全是凌驾于人之上的在另一个世界感化和召唤人们的神,而不会降临人间帮助大家。
B.艺术家在追求不受拘束的自由形式的同时,还将所谓“古典的静穆”的一种节制感作为表现的重要标准。这种例子比比皆是,比如达芬奇的《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》,都便显出一种典型的“古典美”,也就是那种很难捉摸的迷人然而又有些克制的宁静感。
C.西方流行的良好教养实际上是始于16世纪的意大利,大量现实生活中的姿势和动作都从图画中消失了,因为这些东西让艺术家觉得俗不可耐。日益强大的资产阶级的艺术被改造成贵族的艺术,这种艺术采用了上层阶级流行的行为和感情作为特有的标准,而排斥普通人的生活情趣和感情,并将整个基督教世界、圣教徒和英雄在艺术中的形象,都塑造为贵族的形象。于是,从文艺复兴开始,普通人与贵族之间的鸿沟,不论是生活上的,还是艺术上的差别,开始确定下来。
比如吉兰达约(米开朗基罗的老师)所画的《最后的晚餐》中,圣彼得做了一个用大拇指指向基督的姿势,这是平民的姿势,因此在文艺复兴盛期之后,贵族艺术家们立即拒绝了他。再比如以往表现莎乐美公主跳舞的绘画中,把她画得像一个性急的女学生在房间里到处乱蹦,但是在文艺复兴时期,公主应该跳慢步而庄重的舞蹈,所以在绘画中也这样描绘。还有圣约翰的父亲因为是一位朴实的农民,所以在以前的绘画中经常表现他翘着二郎腿,但是文艺复兴后就开始拒绝这种表现。
真正的贵族举止动作是从容大方的,以便引起人们的注意,应该既不装腔作势,也不像一根树桩那样生硬挺直。贵族是贵族应该是的样子,因为他永远经得起挑剔。男人,尤其是女人应当具有平静的、近乎漫不经心的举止,避免一切激烈的举止,一切都应该温文尔雅。现代欧洲还是如此,在《格调》一书中有非常好的描述。
D.只允许与绘画内容真正有关的东西在画面上出现。早期的(比如15世纪)的绘画包括了很多风俗世态或田园牧歌式的特写,但这些内容尽管很纯真,但与真正的主题几乎没有任何关系。比如在西斯廷礼拜堂中,科西莫·罗塞利(佛罗伦萨画家)描绘的《最后的晚餐》中,前景中画了一只狗和蹦来蹦来的猫,旁边还有一只小狗用后腿站起来乞怜。尽管画中的所有宗教情感完全丧失了,但并不会引起人的反感。这种喜爱迎合公众的热闹场面,与崇高风格是格格不入的。
但是到了文艺复兴盛期,比如拉斐尔将画中所有不必要的人物都清除出去,同时还在画中显示直接吸引观众的戏剧性情景,在他描绘某些奇异事件发生的画中,每个人都以最动人的惊恐姿势做出反应,然而在早期的此类题材的绘画中,即使所有人的激动加起来,也没有拉斐尔画中一个人的神情激动。这个时期,艺术家已经不用去发现那种震撼心灵的巨大激情,因为这种激情早已在艺术家心中,艺术家研究的是怎样艺术的利用这些激情。
E.肖像画的戏剧化。早期的肖像画具有非常可贵的单纯性,丝毫不想强调个人特质,然而与古典式肖像画(classical portraits)相比,他们显得非常冷漠。古典式肖像画应当直接表现出模特在想什么在说什么,只表现脸面的不变结构是完全不够的,还要表现自由的精神生活的瞬间特征。因此,艺术家都在寻求发现模特性格最有意味的方面,也就是说,人的尊严备受尊重,从当时的绘画中,可以感受到当时的艺术家拥有比以往艺术家更强的能力和更敏锐的感受力。后来以至于发展成一条不变的定理“每个画家都应该加强脸部的崇高与庄严,掩饰自然的缺陷,就想古代画家(指古希腊和古罗马)的惯例那样”。
据说米开朗基罗认为,模仿具有各自局限性的任何俗物是艺术的堕落,除非被模仿之物具有至上之美。然而,这种预先安排包含着歪曲个人特性,将模特的个性特征强行纳入与其不相干的表现图式中的极大危险。这一点在文艺复兴盛期之后,许多糟糕的模仿者随即陷入这种危险。
F.圣经人物的描绘发生了转变,从一种世俗的方式转变为一种贵族的冷漠寡言的方式。比如圣经中羞怯的少女,在文艺复兴盛期的绘画中,都变成了女王的形象。早期绘画中抱着“小耶稣”的圣母可能是街坊中某位受人尊敬的主妇,在盛期变成至尊至贵而且冷若冰霜。他不再眯著眼对观众微笑,不再是双眸垂视、羞怯谦虚的玛丽亚,也不是一位目光盯着孩子的年轻母亲,而是一位显得自尊自信,习惯于众人下跪的女王。
G.强调表现超自然方面的题材。对文艺复兴早期的艺术而言,最高目标是现实性——现实主义,比如不管美不美,在一幅《基督受洗》中,基督必须表现为两脚浸没在水中。但是,盛期的艺术经常抛开这些现实题材,比如米开朗基罗在《圣母怜子》的雕塑中,圣母比基督要年轻得多,完全是一位少女的形象。这说明艺术家不再把现实性作为艺术的决定性因素,如果非自然或者超自然的因素有助于艺术效果,就会毫不犹豫地接受。
从另一个角度讲,文艺复兴时期的艺术并未完全抛弃现实,艺术仍是对日常生活的说明,但艺术家认为,对尊严和高贵的描绘只可能通过精选现实中几乎不存在的各种类型的服装和建筑来满足。达芬奇曾经建议当时的艺术家不要在绘画中使用当时的服装,因为他们在审美上没有好处,只适合在坟墓中使用,他建议使用古代式样的服装,不是为了获取古代的外观形象,而是为了使身体得到最佳的表现。
最令人们吃惊的是艺术体裁中裸体和半裸体的使用,这完全是为了追求和满足一种艺术理想而牺牲现实性。文艺复兴最突出的革新人物是米开朗基罗,他造就了概括化的英雄风格,并无视地点和时间,他的理想主义属于最有影响和最无拘无束的一类,比如在米开朗基罗在西斯廷壁画中所画的人物几乎都是裸体,他的艺术世界中,现实世界完全遭到破坏,他完全沉醉在自己创造的美妙艺术乐趣之中。他是所有自然主义者中最伟大的人物,也是最伟大的理想主义者。他具有对事物个性描绘的所有天赋,他既能最彻底地放弃外部世界,又能按自己的观念进行独创。
文艺复兴艺术更加注重对于美的沉思,并开始对各种普遍的艺术类型加以改造,这种改造不仅用一种崇高的观念取代了卑微的观念,而且也完全抛弃了一些不美的形式。

2.新型的美学观念
A.在人物造型的举止动作方面,追求稳健、简单和自然的动作,那些过度装饰、生硬造作和站立不稳的缺点都已经克服。在每一件作品中,人物动作都被赋予了更强的气势和活力。新的审美观最不能容忍的是过度紧张和不自然的动作。
B.新型人体形象的出现。早期文艺复兴的趣味更喜欢那种未充分发育的苗条轻盈的形体,青年人清瘦优雅和富于弹性的曲线,比成年女子丰腴饱满和成年男子的肌肉发达更有魅力。但是在文艺复兴盛期,拉长形体的方法被抛弃了。所有的肢体都被表现的更丰满、更强壮。美再度体现在古代理想中丰满躯干的宽大臀部中,视觉上追求的是宽大而统一的的美感。
    文艺复兴盛期的艺术认为关节分明的形体是富于美感的,追求人体表现的强烈结构和表现内在形式,强调形式的水平线。因此,绘画中人体的头部变的硕大,人们欣赏结实的下巴和丰满的面颊,甚至女人的嘴巴和鼻子也不追求小巧和别致(翘鼻子),而将他们描绘的文静匀称(高直的鼻型),表现强烈的高贵特征。人物脸颊追求对称或者匀称,追求清晰性和可辨性,追去合乎逻辑的比例关系。这也是希腊艺术追求的目标。
C.追求艺术的重量感和节奏感,以及整体感和结构感。比如肖像画中把头发都表现为梳得光滑服贴、有条不紊的体块。要求有分量的衣料和潇洒飘逸的饱满形体,拒绝结构复杂的式样和琐碎的装饰,而衣裙厚重的褶子取代了有编织图案的衣料,只考虑大面积的对比关系,并要求产生一种用手牢牢握住物体的感觉,而不是用指尖轻轻触及的感觉。
D.由于建筑是任何他的实际感受在外部世界的透射,因此建筑随之变化,变得严肃和庄重,并迫使继承于哥特风格的早期文艺复兴建筑风格变得更加有分寸。大量的装饰、宽阔的拱券、细长的圆柱全部消失,取而代之的是庄重而有节制的形式,神圣的比例尺度和严肃的单纯朴素。鲜艳的色彩和生动的琐碎细节完全被抛弃了。关于建筑后面再讲。
E.审美趣味向立体造型的转变,强调浓重的阴影和透视效果,而将鲜艳的色彩摆在次要的位置。达芬奇曾经嘲笑那些不愿意为造型而牺牲色彩美的画家,说他们是妙语连珠却又不知所云的空头演说家。同时在后期,艺术家对世界的兴趣越来越只限于人物形象,而放弃了许多美好而生动的自然题材。
F.文艺复兴艺术的精神世界追求与古代(古罗马和古希腊)精神世界的统一。当时的艺术家大量吸取了古罗马和古希腊的艺术精华和艺术母题,但同时又能确保自己的艺术不会在古典艺术世界中迷失。他们从不赞同精确地再现古代艺术,而是强调古代艺术的单纯性,同时尽力克服自己对装饰的放纵欲望。
G.追求绘画的复杂性和形式观念的三维特征。由于透视法的发明,艺术家开始全面把握各种人体动态,开始深入探究人体主要关节和次要关节的扭转和弯曲的各种可能性,即使以往认为是简单的二维平面处理,现在也开始按三维深度处理。我们可以从文艺复兴时期大量研究人的各种器官的素描图中,比如各个角度的手和脚,体会当时对这种三维景深的痴迷。甚至到后来,这种对透视的无休止研究,已经让某些艺术大师厌烦,比如意大利画家阿尔贝蒂内利后来干脆放弃绘画而去经营小酒吧。
充分发挥光与影的作用,反映一种可触及的固体性和周围空间的效果。当时的艺术家认为运用光影的造型方法比透视法更容易获得空间感。达芬奇在年轻的时候最大的理想就是“给形象最大限度的浮雕感”,这也是他毕生追求的理想。他明确主张在一幅画中最暗的部分应该出现在强光部分的旁边,甚至米开朗基罗在最严格意义上说,就是一位素描画家,他非常强调绘画的明暗效果,而经常忽视色彩的意义。
H.追求艺术的统一性和必然性。构图观念自艺术出现以来就一直存在,但是真正意义上的各部分内容的相互关系安排,出现在文艺复兴时期。以往的构图都缺乏一种连接各个部分的特殊聚合物。在文艺复兴时期,艺术构图的各个部分必须同时看到,而且还相互联系,形成统一整体,它通过对整个框架内局部功能的深入理解来把握一种特殊的内在协调关系。
比如在达芬奇的《最后的晚餐》中,有一个处于支配和协调地位的中心人物(耶稣),以及各自在总的情节框架中起着不同作用的一群人(耶稣的追随者),然而在这幅画中,没有一样东西(比如一块石头)可以在去掉之后或者加入任何东西,还能保持整幅画的整体平衡。文艺复兴时期,这种平衡原则已经达到了非常精确的地步,也成为衡量古典艺术是否完美优秀的一个主要评判原则。在文艺复兴盛期,高贵的姿势、有节制的行为举止和宽大有力的美是那一代艺术家(比如米开朗基罗、达芬奇、拉斐尔、提香等艺术大师)的共同情感特征,这种特征不断聚集在他们的艺术作品中,以至于发展到能将艺术作品中的各部分完全融合成一种必然的统一体。




贝利亚


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2002-04-30 14:01 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 贝利亚 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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文艺复兴并非几句话就可以说清楚的东西,但阁下的文章的确一定程度上概括了这个令人叹为观止的艺术运动。阁下是学艺术史的吗?我真的很想象大部分人一样,把“真厉害”之类的话挂在嘴边,这样大家都高兴。但我不是,所以……我只能说“很不错”,比网上那些随便解释文艺复兴的无责任文章强多了。

有些概括的地方不敢苟同,但并不想就此展开争论。毕竟,这有大部分来自于视角不同的缘故。不过,还是有几点想指出:

1,文艺复兴高峰期所强调的安静,平衡,整体感,并没有延续到巴洛克,所以这并不是整个文艺复兴的基调。

2,文艺复兴不包括巴洛克……我不知道你为什么会把这两个截然不同的风格联系起来。

3,虽然我并不喜欢奇异派,但它毕竟也是文艺复兴和巴洛克的过渡流派。(奇异派不是晚期文艺复兴,晚期文艺复兴只有一个人一个作品,米开朗基罗和他的末日审判,它同时具有奇异派的紧张,不安定,和文艺复兴高峰期的精细构图和色彩)。

4,说米开朗基罗不注意色彩是19世纪的看法了。你看的书是什么时候出版的?在西斯汀教堂屋顶和壁画清洗之后,米开朗基罗被认为是一个对色彩相当敏感的人。他的壁画作品都以色彩鲜艳著称。当然,也有说法认为西斯汀教堂的清洗有点过度,但米开朗基罗为数不多的小型油画作品也证明了米开朗基罗其实是很喜欢鲜艳色彩的佛罗伦萨人。

5,说到文艺复兴而不提威尼斯画派………这这这………提仙可是被认为和文艺复兴三杰至少是同级的画家。而且威尼斯画派和佛罗伦萨-罗马画派有截然不同的技法和表现重点。

6,关于用油画表现良好教养的风气(我个人并不认为这是文艺复兴的一个特点,但既然你提出,我就接着说),这种风气是自拉非尔给他的朋友-《格调》的作者-Castiglione-的肖像开始。但要注意的是,关于这种贵族标准的肖像佛罗伦萨-罗马画派比较倾向于美化,而威尼斯画派则会比较忠于现实。而且这种贵族标准风气(如果曾经成为一种风气的话)在奇异派之后也不再流行了。

7,说文艺复兴画家不重视自然,这只能说明你或者你看的书里并没有详细介绍威尼斯画派。Titian 和Giorgione都以风景著称。虽然并没有象18世纪英国风景画那样完全以Landscape为主,佛罗伦萨画家对威尼斯对自然迷恋总是批评一大堆。

8,没有提到新伯拉图主义……佛罗伦萨早期文艺复兴和文艺复兴高峰期(佛罗伦萨-罗马画派)的哲学基础。

……………很想逐条补充你的观点,但没时间也没必要。最后,能否列一下你的资料?有英文名字或者意大利名字最好。

另外,瓦萨里的Life是任何一个学文艺复兴史的人必读作品。

PS:虽然我稀里哗啦的补充了这么多,但请相信,我非常喜欢这篇文章。只是碰到自己喜欢的话题停不住嘴而已。

对了,研究半天文艺复兴史,知不知道我签名里面的家伙?………任何知道这家伙的人请一定………一定………给我写信!…………I love him………



dynamic


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2002-05-01 00:30 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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感谢楼上同志诚恳而坦诚的批评——我喜欢。

我不是艺术史方面的人士,我是学建筑史的,不过我觉得在了解建筑史之前对艺术史一定要有所了解,所以我读了一些这方面的书。上面总结的东西,并不是我自己的东西,我已经在开头说了,总结自沃尔夫林的/古典艺术/一书,同时这些内容是我在带学生外国建筑历史课时大纲中的一部分内容,因为我希望我教的学生不仅对建筑还要对艺术有所了解。沃尔夫林是19世纪的人,观点肯定是很老,不过对建筑系的学生应该是够了(即使如此,我当时讲的时候,大部分学生都在打瞌睡!)。但是出现这些楼上同志所说的错误,肯定是不应该的,我会积极改正!

我所讲的内容主要是来源于中国美术学院出的那套外国艺术史书,比如艺术发展史、古典艺术、古典建筑语言、世界工艺史、中世纪艺术史、艺术与错觉、秩序感等等。

楼上的仁兄,你所说的问题,我会一一查证!



贝利亚


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2002-05-01 07:16 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 贝利亚 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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艺术史已经变成如此不讨人喜欢的东西了吗?讲文艺复兴居然会有人打瞌睡……米开朗基罗听到会哭的………

以上提出的那么多条,很多只是观点不同而已。如果资料是19世纪末的……那个时候还没有奇异派这个名称呢,而且米开朗基罗的西斯汀屋顶也没有清洗……


dynamic


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2002-05-02 00:32 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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贝…贝利亚,你该爱我了。————

我在一本书中找到了LORENZO,不过你指的是 Medici LORENZO一世还是二世(或者只是同名而异?)?这本书国内的名字叫意大利文艺复兴时期的文化(the civilization of the renaissance in italy,By Jocob Burckhardt)。这个作者好像是沃尔夫林的老师?

还有一个小小的要求——你可以借助你的地理优势介绍一下Marcel Dumchamp(可能你不喜欢这个人)?


dynamic


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2002-05-02 00:39 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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艺术史是我非常喜欢的东西!——不过建筑系的学生对这方面有兴趣的不多!

我记得我曾经熬了一夜把贡布里希写的《艺术与错觉》看完了,而且越看越兴奋!


马甲7


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2002-05-02 01:07 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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天啦———阳春白雪啊~~震惊
杜尚?俺喜欢,期待中~~

ps:贝利亚这个名字俺好怕~~~

ps2:克格勃兄,“为了提高网上ID的质量。。。”这句什末意思?。。怕怕~~~

ps3:rush兄——语法错误语法错误~~


马甲7 edited on 2002-05-02 19:23
贝利亚


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2002-05-02 12:17 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 贝利亚 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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这是佛拉奇奥(达芬奇的老师)给罗伦左做的半身像。

美帝契家族到底有多少个叫罗伦左的,我从来没数过。意大利人大概是全世界起名字最没有创意的民族,想想美帝契家族从吉奥瓦尼开始到罗伦左的儿子皮耶罗的这4代,上下至少30几口人,起名字除了罗伦左就是考斯莫,要不就是吉奥瓦尼……

我热爱的罗伦左当然是Lorenzo il Magnifico,1469年成为美帝契家族的族长,幕后控制佛罗伦萨23年。也就是在这23年,佛罗伦萨文艺复兴达到顶峰。是他发现年幼的米开朗基罗,把他带回自己的宫殿。应该知道我说的是哪个罗伦左了吧?

美帝契家族另外一位在艺术史上比较有名的罗伦左是Lorenzo il Magnifico的侄子,虽然有种种不同的说法,但波提切利的维娜斯的诞生就是为这位罗伦左画的。

头痛了吧?哈哈哈………我爱美帝契家族……我爱罗伦左………

…………我讨厌达达…………所以根本不想去查Duchamp 的资料………给Mona Lisa画胡子………这也叫艺术?

OK………OK…………我是对古典艺术过于偏执。

关于Duchamp, 我唯一还可以接受的作品是Nude Descending a Staircase(直译应该是下楼的裸体)。我们在人体写生课上也做过类似的练习,虽然我是比较喜欢画不动的东西,但是动起来也蛮好玩的。但这副作品被归类为Futurism……和达达一样属于我不喜欢也搞不清楚的流派。



我很乐意介绍任何1920年之前的西方艺术家,尤其是古埃及,古希腊和罗马,文艺复兴的任何艺术家,巴洛克(不管是reformation 还是counter reformation)。1920年以前我唯一不喜欢的艺术运动是洛可可……外加奇异派……

另外,关于我的名字……我知道你是讨厌俄国间谍或者讨厌由贵香织里……我也知道这个名字很白痴………但是,为了提高网上ID的质量,我一点也不想改。


贝利亚 edited on 2002-05-02 12:25
rush


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2002-05-02 17:31 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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在下对诸位的敬意有如淘淘江水,绵绵不绝。先灌一贴先。

dynamic


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2002-05-03 01:56 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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把Duchamp这个人归入未来主义或者是达达主义,我是一百个不赞同。因为他是一个蔑视权威、蔑视规则、蔑视”所谓“艺术的人!!所以把他归入任何一类都不合适,类别只适合那些循规蹈矩的艺术家。即使是米开朗基罗这样的古典主义大师也在不断的寻求打破既有传统的突破口!!我非常喜欢古典艺术,但不喜欢一成不变!!

下面是我对古埃及艺术的一点认识,大家随便看看吧!主要总结自贡布里希(Gomblich?)的艺术发展史!

西方艺术的根源在古埃及,不管是西方现在任何的建筑和绘画或者雕塑,都与6000年前尼罗河流域的艺术之间,有着直接的联系,因为古希腊的艺术大师都曾经向古埃及人学习,而所有西方艺术又直接从希腊传承下来。这样,就可以理解埃及艺术对西方艺术有着多么重要的作用了。
几何形式的规整和对自然的犀利观察二者相结合,是一切古埃及艺术的特点。埃及艺术家绘画和雕刻的方式和我们现在不大一样,他们是为法老或者贵族画画,所画的一切东西都是这些人在死之后进入另一个世界所必需的东西,因此对他们来说,绘画的关键不在于好不好看,而在于完不完整,也就是画出来的东西和实物一定要对上号,不能有半点差错,不能认不出来是什么东西。艺术家的任务是通过绘画和雕塑尽可能清楚的、尽可能持久的把一切事物都保留下来,比如,古埃及人认为只把法老的尸体做成木乃伊还不够,还必须在法老墓中雕一个法老的花岗岩雕像,然后对雕像行使魔咒,帮助法老的灵魂寄生到雕像中,这样雕像不倒,法老的生命就会永远延续下去。所以埃及艺术家的绘画和现代绘画不一样,并不是从看上去比较美的角度描绘自然。
他们根据记忆作画,然后遵循一些严格法则,比如构图法则,颜色法则,坐下的雕像必须把双手放在膝盖上;男人的皮肤必须涂得比女人的深,还有太阳神必须表现为一只鹰,或者一个鹰头,而死神必须表现为一只豹子,或者画一个豹子头,不要求创新,也不能随便根据自己的发挥和想象绘画,而必须描绘一切所需要的东西。因此,他们画画很像在画地图,不像现在意义上的绘画。
举个例子,比如画一个池塘,(在黑板上示范)对我们来讲就会很难处理,如果画一个侧面,就只能看到树,看不见池塘。如果画池塘,又不可能画出所有的树。但是埃及人是这样画的。(画树,长方形池塘,还有鱼),说白了就是怎样看的清楚怎样画。
埃及艺术家不仅要遵循上面讲的这条规则,就是通过自己所掌握的绘画知识必须把自己认为重要的东西都包括在所描绘的东西之中,必须画得非常真实,而不是从某个角度画;他们还要在绘画中体现他们对所画的这些东西的意义的知识,比如,在现实中奴隶主是奴隶的主人,那么在绘画中,奴隶主就必须比奴隶画的要大,甚至奴隶主的儿子和妻子也必须比奴隶画的要大,当然又要比奴隶主画的小。
一旦掌握这些知识,就很容易解读古埃及绘画了,当然还要有一些背景知识,实际上,从某种程度上讲,古埃及的绘画和雕塑比现在要真实,在他们的画中,每个人的身份等级,以及生活环境表达的一清二楚,而现在却没这么容易实现。


贝利亚


发贴: 462
2002-05-03 10:58 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 贝利亚 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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我也讨厌一成不变,但Duchamp改变的方法我无法接受。改变是改变,不尊重和嘲笑是另外一回事。你可以嘲笑那些盲目遵从传统的家伙,但你不可以嘲笑传统本身。这也是我不喜欢Duchamp的原因。

至于米开朗基罗……那个家伙只是在不断的寻找别人从来没做过的事情以证明自己比任何人都强而已。问题在于他的确比所有人都强………神一样的米开朗基罗啊。

关于网上ID质量的事情……只是我个人提出来的东西。因为网上ID太容易更换,如果说了什么不好的东西也不必负责,只要换个ID就没人认识你了。无责任感导致网上信息十有九成是垃圾。我上次去一个艺术史介绍性网站,里面除了误导就是垃圾……所以我决定不管到哪都只用贝利亚这个名字。

最后,关于古埃及文化……因为太多了,旧,中,新王朝各有各的风格,根本没法几句话说清楚,所以只补充一点:
古埃及艺术和其它艺术最大的区别是它的延续性。自旧王朝第一代法老Narmer开始到克利奥佩特拉为止三千多年,古埃及艺术基本上没有任何变化,无论是人物造型还是叙事风格。古埃及人相信他们的世界在被创作的时候就被创作成一个完美的世界,所以他们只要延续这个完美的世界就可以了。古埃及文化并不鼓励改变和创作,这和当代西方文化截然不同。


马甲7


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2002-05-03 11:36 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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贝利亚 wrote:
关于网上ID质量的事情……只是我个人提出来的东西。因为网上ID太容易更换,如果说了什么不好的东西也不必负责,只要换个ID就没人认识你了。无责任感导致网上信息十有九成是垃圾。我上次去一个艺术史介绍性网站,里面除了误导就是垃圾……所以我决定不管到哪都只用贝利亚这个名字。

跑题dynamic兄勿怪~~
克格勃兄说的不坏——俺也气愤中~~

1 声明一点:俺的马甲都是负责的~~
2 但贝利亚 有没有想一下:网络带来的“无深度化”(后工业社会的特征)是事实,也不仅仅
  是事实——本身就是对现代社会(古典社会)话语权力的一种反拨。

  正如前面探讨的杜尚(还是没跑题 哈哈),颠覆的是什么?古典美学对生活的反映(摹仿说);现代主义美学对元叙述(日常经验)的抛弃带来的自律;杜尚的“修改的现成品”则选择诸如自行车、梳子、铲子甚至尿盆———杜尚并非要震惊、激怒人们,而只是想探究艺术是什么以及人们对此的反应。
  两位对艺术史比我渊博太多,不班门弄斧了~~

  回到跑题上,互联网上的身份(ID也即identity)是否应该与真实身份一一对应呢?好难的问题,回去想想~~

ps:您在网络上好像期望过高——毕竟这不是精英艺术杂志,大多是如我一般普通人,所以,寻
   到趣味相投的朋友不易呀~~
ps2:杜尚的有图,怎末不贴几张文艺复兴的?埃及艺术更好,dynamic,come on~~


马甲7 edited on 2002-05-03 11:45
dynamic


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2002-05-05 01:59 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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贴几张古典时期的绘画:


dynamic


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2002-05-05 02:00 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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dynamic


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dynamic


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埃及的东西


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拉斐尔的雅典学院局部


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非常著名的教堂


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马甲:
先贴几张看看吧,我找到一些精品之后会再贴的!!


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贝??:
网络本来就不要求大家负责(实际上,每个人要负的责任还不够多吗?),否则就没有什么人来上网了!如果太在意责任的问题,反而适得其反!!


贝利亚


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2002-05-05 10:59 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 贝利亚 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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又见到别扭的米开朗基罗啦……想想拉非尔当时真的是很崇拜米开朗基罗,或者是他圆滑的个性让他不由自主的想奉承那位狂妄的大师。我比较倾向于前者……毕竟我还是很喜欢拉非尔这个Sweet guy……

莫奈最令人崇拜也是最令我无法忍受的地方是他可以连续不断,一遍又一遍的画同一个题目,无论是稻草垛啦,还是睡莲啦,或者教堂啦……颜色对他来说似乎比形状主题内涵都重要许多,所以那些稻草垛什么的对他来说从来就没有一样的时候。

至于网上ID责任的问题嘛……我有我的原因。只是另外一种偏执而已……我对很多东西都有不正常的偏执。


心宇


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2002-05-05 22:54 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 发送email给 心宇 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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我最崇拜的二个人都是这时期的人物!一个米开朗琪罗!一个是达芬奇!特别是米开朗琪罗的雕塑,我相当喜欢了!

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古希腊艺术的特点
1.希腊艺术的伟大革命:短缩法和自然形状的发现
a.短缩法:当物体离开眼睛或视点远去时,物体体积的缩小。但与透视法不同,透视法是由一个消失的原点作为中心,而短缩法并未达到这么精确的描述,一直到文艺复兴时期,才逐渐发展成一种科学的方法。
b.严格的循规蹈矩和寓变化于规矩之中所达到的平衡,是希腊艺术的最吸引后来艺术家不断回顾希腊艺术的主要原因。希腊人要求绘画和雕塑可以自由的表现人体形象的种种姿势和动态的新发现,以反映出人物的内心世界。比如菲迪亚斯为雅典卫城帕提农神庙(不是露天的那个)雕刻的雅典娜神像,雅典娜(帕拉斯·雅典娜),智慧女神,雅典的保护神,在古罗马神话中的名字叫米涅瓦(Minerva),她在无意中杀死了海神的女儿帕利斯,为了纪念她,便自称帕里斯·雅典娜。这是一个庞大的木头像,高度大约为10几米(36英尺),身上包裹着贵重材料——黄金的盔甲和衣服,象牙的皮肤。左手扶在盾牌上,右手放在一个矮柱上,左腿稍微有些弯曲,眼睛凝视着右前方。盾牌和盔甲上还涂着大量的耀眼的颜色,雕像的眼睛是用彩色宝石制成的。她的头盔上有几只半狮半鹫的怪兽,盾牌里还盘着一条蛇。雕刻家让这尊雕像不仅要表现尊严,还要表现雅典娜的美丽,也就是表现雅典娜作为女人的魅力,这种表现与古埃及时候的神像表现已经非常不同了。
菲迪亚斯是希腊艺术革新的肇始者,使得后来的希腊艺术大师逐渐迈入一种很高的境界,就是达到了形式化的形象与真实形象之间的完美平衡。当时希腊著名的雕塑有:眺望楼的阿波罗,米洛的维纳斯,拉奥孔群像(拉奥孔是特洛伊城的祭司,他看到要进城的木马中藏有希腊士兵,因此就警告他的同胞不要收下这些木马。但是神看到他们要毁灭特洛伊城的计划遭到挫折,受到拉奥孔的阻挠,就派两条巨蛇从海中钻出去把祭司和他两个不幸的儿子缠住憋死)。
2.艺术家的地位:
在古希腊,统治者或者贵族都是一些有钱人以及一些诗人和哲学家,而艺术家,包括建筑师被认为是下等人,因为他们像普通苦力一样用双手工作, 所以不被认为是上流社会的成员。
3.结论:
希腊人的艺术冲破了早期古埃及艺术的禁律,走向一条真正的艺术之路,通过仔细的观察和对完美形象的追求给世界形象增添了越来越多的特点。他们的作品绝不是一面仅仅反射自然某个角落的一面镜子,而是永远带有创作者的智慧和天赋。


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2002-05-07 23:12 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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古罗马艺术的特点
1、古罗马的典型艺术手法是从希腊艺术中取其所好,然后按照自己的需要加以运用。举例说明,其中一项就是制作优秀的半身像。古罗马时期,罗马人必须在皇帝面前,或者半身像前宣誓表示忠诚,当时的许多基督教徒因为不愿意向上帝之外的神像宣誓,被判处死刑(一般都是投入到大斗兽场中,被狮子老虎咬死)。罗马的雕像尽管有这么严肃的意义,但是统治者却没有要求艺术家必须美化雕像,甚至产生尊严感。当时的艺术家将统治者的半身像做的非常真实,甚至会用石膏模型套取死者的面型,他们好像根本不愿意将统治者表现为神,比如维斯佩申(曾建造了罗马大竞技场和凯旋门)的雕像做得犹如一位银行家或者公司老板。尽管如此,神像却没有产生一种猥琐感。古罗马艺术家在艺术方面尽管没有取得希腊艺术家这么高的成就,但却创造了一种逼真然而不平凡的效果。
2、古罗马人的艺术着眼于准确表现全部细节和清楚的叙事,而不在注意希腊艺术中和谐、优美和戏剧性的表现。比如上次课中讲的希腊雕刻中对游行队伍的表演者的动感刻画(表现了表演者上窜下跳以及马的动态的平衡效果)。但是在古罗马的纪功柱上的雕刻中,只是把一幕幕的战争胜利场面如实的记录下来。(要说明的是:这与古埃及艺术在目的上有类似之处,但是在手法表现上,古罗马艺术与古埃及艺术截然不同,它吸取了古希腊艺术的表现技巧(短缩法和对自然形状的描绘)。)因为罗马人是讲求实际的民族,对幻想的东西不太感兴趣。古罗马人用图画记述英雄伟绩的方法,后来被基督教广泛采用发扬光大,基督教堂中常有彩色玻璃画,就是为了给教徒提供圣经素材的,也就是所谓的恶傻子圣经,因为古时候识字的人很少。
3、在古罗马帝国衰亡时期,艺术家已经不再注意古希腊艺术的辉煌成就了。比如雕刻家在雕刻时常常采用了一些相当简单易行的方法,只要能让观者分辨出哪里是脸,那里是眼睛和鼻子,那里是脚,就可以了,所以这些雕像在希腊人和早期古罗马艺术家那里根本称不上是美。在经过大规模的战争、叛乱和外族入侵之后,许多艺术技巧都失传了。随着基督教在欧洲的逐渐兴起,古代社会也随之终止。


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2002-05-07 23:13 查看他的注册信息   查看他的Blog 给他发送悄悄话 引用并回帖 搜索他发表的帖子 复制到剪贴板. 
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罗马风艺术的特点
1.罗马风艺术家借用罗马、拜占庭、野蛮民族和加洛林艺术(法国查理曼大帝时期的艺术,800年)的母题和特性,并把它们结合成一种国际风格。实际上,这种结合各种因素的统一需要一种同时拥有活力、灵感和财富三方面因素的力量,而当时的修道院恰当的承担了这一重任,并对这种风格的流行起了决定性的推动作用,同时他们也将一种审美的沉思和急于创造表达基督教世界观的欲望也掺杂在罗马风艺术中。
2.罗马风艺术不具备自然主义和古典的或后期哥特式艺术所具有的人道主义热情。自然的形体被罗马风艺术家自由地转换为线条的或雕塑的设计,这些设计有的高贵、宁静、严峻,而另一些则被认为是一种近似发狂的梦幻般激情的产物。罗马风艺术具备丰富表现力的变形和自然形式的风格化,一直到十九世纪末、二十世纪初开始的现代艺术革命之后,才得到广泛的认同。因为在古典时期的艺术一般都以再现自然作为目标,所以他不喜欢神经质甚至富于激情的对自然界的变形。然而到现代艺术革命之后,再现不再作为艺术追求的唯一目标,同时也允许大量个人化的情绪或者感受注入到艺术之中,这样,现代艺术又重新发掘了罗马风艺术的宝贵价值。


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